И снова с нами и с вами - образовательная пятница. 

Сегодня я хочу поговорить о перспективе.

Не о перспективе нашей жизни, а о технике изображать на плоскости трехмерное пространство, в соответствии теми изменениями размеров, очертаний и формы, которые есть в натуре.

Правильная передача перспективы – это одна из основных задач в работе художника. Говоря тут «правильная» я имею  в виду ту, которую художник хочет передать – тут может быть и прямая, и обратная, и панорамная и прочая какая-нибудь еще... Главное, что художник хочет добиться с помощью перспективы определенных эффектов. Ну какая бы перспектива ни была – для правильной ее передачи естественно есть определенные правила (извините за тавтологию, ха-ха).
Каждый, конечно, волен сам себе придумать правила, но есть некоторые законы физические, которые помогают сделать изображение более достоверным.

Итак, у нас есть линейная перспектива, перспектива воздушная и световая. 
 

Про линейную написано множество работ и руководств, и есть куча информации даже в той же википедии. Что характерно для такой перспективы – неподвижная точка зрения, единая точка схода на линии горизонта, предметы уменьшаются пропорционально по мере удаления от смотрящего. Когда мы рисуем какое-либо изображение в любой технике, мы должны помнить о законах линейной перспективы, чтобы этот предмет стал объемным для зрителя, даже просто при графической подаче.
Усилить объемность изображения позволяет также соблюдение законов воздушной и световой перспективы.
Воздушная перспектива  - тут мы подразумеваем, что по мере удаления предмета он погружается в воздушную среду и его очертания будут меняться. Если у нас воздушная среда уплотняется (смог, пыль, пар, туман, дым и пр.), то очертания предметов будут становиться более расплывчатыми, четкие границы предметов исчезают. Поэтому при рисовании мы помним, что более резкие и четкие очертания будут характерны для предметов переднего плана, а мягкие и расплывчатые очертания останутся на заднем плане. Не только очертания, но и цвет предметов меняется с расстоянием. Все цвета на расстоянии меркнут, обобщаются и приобретают голубоватый оттенок. Первыми теряют четкость голубые и зеленые цвета (это законы физики, об этом же я писала в прошлую пятницу), потом желтые, оранжевые и красные. Контрасты так же смягчаются и на большом расстоянии сливаются в общий тон.  Воздушный слой скрадывает так же фактуру и мелкие детали. Отраженный свет от светлых предметов проникает сквозь воздушный слой и приобретает теплый оттенок.
Если же у нас воздушная среда чистая, как горный воздух, то очертания предметов практически не изменяются, как и окраска и светотеневой контраст.
Световая перспектива возникает при неравномерном освещении и характеризует расстояние предметов до источника света. Днем явления световой перспективы практически не заметны, поскольку сила света одинакова на всем видимом пространстве. А как только у нас возникают изменения силы света на изображаемом пространстве (утро, вечер, искусственное освещение) – предметы близкие к источнику света необходимо делать яркими, чем предметы удаленные от него. Если свет идет на нас, то фон становится светлым, все светлое удаляется от нас,  а предметы выделяются темным. Если свет будет идти от нас, то наоборот, светлые предметы будут выступать на темном фоне. 
Это, наверное, основные моменты из общего представления о перспективе, о которых я хотела сегодня рассказать. 

Если есть вопросы и мнения – самое время их задавать:) велкам в мой инстаграм. 

На этой неделе рисовали с Натали Ратковски весенние цветы.
Очень удачно выбрана тема для недели с 8ым марта... цветов под руками просто завались. Вот бы еще времени было побольше:)) Но немного вышло. Нарциссы, которые я дарила воспитательницам детей и тюльпаны, которые подарили мне.
Самые весенние, по-моему....

Итак, сегодня у нас снова в эфире образовательная пятница. Правда на часах уже почти суббота, но все же.

И я бы хотела поговорить о контуре в живописи и графике. 
Что такое контур. Это внешнее очертание чего-либо. На самом деле контура в природе нет. Край одного предмета/одной формы, которую мы видим, переходит в другую форму. И никакого там четкого абриса мы не увидим, никаких четких очерчивающих форму линий (те кто учился в художках сразу вспомнят требования педагогов не рисовать «проволоку» вокруг предметов). Но в изображении контур нужен нам для обозначения условной границы формы. При этом в зависимости от наших целей, мы можем сделать контур видимым и необходимым участником работы, либо вспомогательным элементом.

Первое характерно для графических работ, набросков, подготовительных рисунков, стилизаций, а так же батика, эмалей, витражей. Тут контур очень часто первичен и необходим. Он наносится такими материалами, которые не удаляются, либо выделяется на фоне всего остального. И он должен быть точным, лаконичным, тщательно продуманным. Выразительность рисунка с доминантой контура в основном создается за счет изменения толщины и силы линий. В основном, но не всегда.

Второй вариант так же делится на два типа:
- контур, который хоть и является вспомогательным, но нужен нам в итоговой работе (т.е.контур, который будет просвечивать через красочный слой); 
- контур, который исчезнет к концу работы (это тот, который нужен для построения и предварительной прорисовки композиции). 
Ну и вот исходя из этого, начиная работу, вы решаете - как и чем рисовать контур. И рисовать ли его вообще. То есть существует вариант, когда работы пишутся сразу без подготовительного этапа. Эта техника называется «а ля прима». Но это результат большого практического опыта и достаточной внутренней смелости. Если мы рисуем контур и дальше будем от него избавляться, то его рекомендуют делать светлым по тону, тонким по рисунку и голубым по цвету. Голубым – поскольку голубые коротковолновые лучи подвержены большему рассеиванию и в итоге они менее видны. Этот момент, кстати, отмечала Натали Ратковски  , когда писала о том, что делает предварительный набросок голубым карандашом, поскольку при сканировании такой карандаш менее виден (а то и совсем не виден). Если же нужно, чтобы контур был виден сквозь красочный тон, то он должен намечаться теплым тоном – красным, оранжевым, желтым, коричневым. Ну и если мы пишем акварелью, то контур, конечно, лучше намечать непосредственно акварелью. 
Если же мы рисуем так, что контур должен быть виден, то его можно делать как до введения цвета, так и после. И в зависимости от этого выбирать материалы.

Вообще, когда я долго рисую какие-то исключительно графические вещи, мне потом в акварельных работах контура очень не хватает. Но я всегда напоминаю себе, что на самом деле контура нет. И добиться того, что дает мне контур, я могу за счет цветового и теневого контраста. Главное – не бояться.
А у вас как?

Ну что, отличной субботы уже вам. И до новых встреч.

В воскресенье у сына было день рожденье, поэтому выложить в жж ничего не успела. И вот только сейчас руки дошли. А порисовать на неделе успела. Причем неплохо... довольна разворотом и тем, что сделала артбук с разной бумагой. На этой неделе рисуем весенние цветы...

Второй темой конкурса Веснариум стала тема птиц. Типа там весна, птицы прилетели и все такое. 
Я как раз начала серию графических птиц на нотах и мне было страшно сложно перестроится на карандаш. Но я постаралась:)

Мне очень захотелось нарисовать синюю птицу счастья... и вот она.

На этой неделе рисовали во флешмобе с Натали Ратковски руки и кольца. Что-то прямо с трудом шло... 

На следующей неделе будут лимоны:) Заранее радуюсь:))

И снова в эфире с вами наши образовательные пятницы.

Сегодня хочу поговорить о светотени предметов.

На мой взгляд, светотень – это один из основополагающих моментов и в живописи, и в графике. Только благодаря свету мы вообще видим что-то, свет делает наш мир зримым.  А правильная передача в изображении световой среды, правильное построение светотеневых отношений – это одна из первостепенных задач художника.

В чем сложность здесь.

В том, что у нас в принципе не один источник света, а несколько. Почему? Да потому что свет может быть как прямым, так и отраженным. Каждый предмет, который мы видим, отражает свет (поэтому мы и видим его собственно). Каждый предмет будет этим своим отраженным светом влиять/светить на предметы вкруг. Ну мы знаем об этом, да - если на белый подоконник поставить синий кувшин, то на подоконнике появится такой типа синеватый отсвет от этого кувшина. Вот это пример отраженного света. А на самом деле на подоконник будет падать отраженный свет не только от кувшина, но и от шторы, горшка с цветком, и от вас:) И задача художника – разобраться в этих взаимоотношениях, то есть разобраться в фазах светотени. 

Выделяют следующие фазы светотени: прямой свет, полутона, блик, собственная тень, рефлекс, падающая тень, обратная тень.

И тут при рисовании важно помнить следующие два правила

1 - любая точка зоны света (блик, полутон, прямой свет) светлее любой точки теневой части (собственная тень, рефлекс, падающая и обратная тени);

2 – вы всегда можете разделить фазы, определить  что светлее, что темнее внутри зон.

Второе правило очень важное, выполнение его придает объем предметам, правильно их позиционирует в пространстве относительно других предметов и «ставит» предметы на плоскость. Но оно легко выполняется, как только вы определитесь откуда у вас светит свет, т.е. где у вас и какие источники света и разберетесь что у вас в работе светлее, а что темнее. Если вы рисуете с натуры определиться с этим довольно просто, кстати, – нужно прищуриться, чтобы ресницы немного перекрывали зону видимости и посмотреть на предмет. Зоны слегка сольются и разница в яркости, например, своей и падающей тени будет очевидна.

Кроме яркости при светотеневой моделировке предметов важно определиться с отношениями «теплый-холодный». В последнее время я натыкаюсь на множество мастер-классов, где преподаватели при объяснениях категорично заявляют о том, что свет  в любом случае следует писать теплым, а тень – холодной. Это не совсем полная информация. Да, если у нас теплый источник света, то свет в изображении будет теплым, а тень – холодной…. Но если у нас холодный источник света? Луна, например, светит  вполне себе холодным светом. Электрические лампы есть с холодным спектром. Да и днем иногда, особенно зимой мы видим, что свет холодный. И приглядевшись к теням мы увидим, что тени при этом будут теплые. Соответственно в изображении мы должны отразить этот момент. Свет будет холодный, а тени теплые. Причем иногда это неочевидно при взгляде на натуру (или если вдруг вы пишете из головы и натуры нет совсем) и тут важно просто об этом правиле знать.

Тогда все получится:)

Ну что, отличной пятницы вам.

_____

Обсудить тему, а так же задать вопросы приглашаю в свой инстаграм - мой ник @13_luna

Итак, веснариум. Как я уже писала, это рисовальный марафон в инстаграм, который идет прямо сейчас.
На первой неделе надо было нарисовать картинку на тему Любовь.
Я как-то поставила среди своих целей на год - создание хотя бы дной полноценной работы в месяц (не 
почеркушки), которую можно было бы в раму и повесить. И вот, собственно с веснариума все и началось:)

Первая тема, правда, случилась немного "зефирная". Но мне надо было вспомнить основы рисования карандашом. Ну и я думаю, что хорошая надпись спасет работу.Осталось только ее написать:)

На этой неделе рисовали с Натали Ратковски в рисовальном флешмобе - перья.
Мне честно говоря удивительно, но у меня есть все, как мне кажется дома - перья, ракушки, камни, стекла, палки, нитки и прочее. Видимо я готовилась подсознательно к таким вещам. Правда перья пришлось пособирать по домочадцам: Данил предоставил птичку с ёлки с полуобгрызанным хвостом, кошка - свою меховую мышку, а Ксю - маленькие ангельские крылышки из Мюнхена:)

Ну что. В прошлую пятницу мы говорили про то, что такое живопись и что такое графика.

Надеюсь, у вас было время почитать хотя бы википедию про это, а так же высказывания художников и интересующихся у меня в инстаграм, и вы теперь хотя бы немного теоретически подкованы в этой области. Так вот, даже просто обратившись к википедии видишь, что люди выделяют разные подходы, определяющие что такое живопись и что такое графика.

В одном подходе - живопись это создание изображения посредством нанесения жидкого материала на поверхность (масло, акрил, гуашь, темпера). А графика - это когда для создания изображения используются сухие материалы (графит, уголь, мел, сангина).

Тут же возникает вопрос - куда же тогда деть пастель и акварель? да? Получается что акварель - живопись, а пастель - графика. А тушь тогда что? Особенно китайская техника живописи тушью?

Другой же подход опирается на различие в исполнении. Вот как сказано в википедии: "Графика в чистом виде использует белизну (цвет) фона для создания тональных градаций. Чем гуще слой красящего вещества, тем темнее данный участок картины или рисунка. Работа над рисунком ведется в направлении постепенного насыщения тона, использование белил не допускается. Напротив, в живописи белила составляют основу изобразительной техники, краска накладывается корпусно, плотно перекрывая фон, цвет которого не имеет значения. Живописец работает слоями краски, многократно проходя одни и те же участки картины, высветляя или утемняя их."

По этой классификации в разряд графики попадает не только карандаш, сангина и уголь, но и акварель. А пастель и гуашь оказываются чисто живописными техниками.

Третий подход говорит о том, что цвет  - это выразительное средство живописи, а графика – это доминанта линии. И тут тоже вопросы, которые звучали у нас  в обсуждении - если маслом нарисовать графичную работу, то что это – графика или живопись.

Все толкования достаточно спорны, и у каждого есть свои сторонники и противники. Что же из этого верно?

Тут надо немного отрешиться от того, что мы имеем сейчас и обратиться к истокам возникновения самих определений.

Живописью изначально называли в основном работы маслом, темперой, фрески. То есть грунтованная основа, мазки, колоризм, проработанность, многослойность, основательность…. Вот это все.

Графикой же считалась любая подготовительная и вспомогательная работа – рисунок,а также каллиграфия…и еще работа, связанная с техническими средствами воспроизведения – гравюры, офорты, печать и прочее. Графика, при том, что она закончена, могла носить условный характер, быть лаконичной, обобщенной.  Основа графики штрих и пятно, контрастирующие с фоном. «Воздух белого листа» - наиболее общий отличительный признак графики.

Так вот, исходя из этого, наша российская искусствоведческая наука считает, что:

Живопись – это масло, темпера, фреска, энкаустика, акрил.

Графика – это графит, уголь, сангина, цветные карандаши, маркеры, тушь (чернила), акварель.

Пограничные техники – гуашь и пастель.

А еще есть понятие – смешанные техники.  Это как раз тогда, когда акварелью пишут на холстах, например. Или смешивают маркеры и акрил.

Поэтому, как бы мы с вами не спорили на тему многослойных законченных акварельных пейзажей или работ Малевича и Кандинского, все осталось так, как было когда-то определено. К сожалению, наша наука не пересматривала определения, несмотря на то, что мастера работают разными материалами и очень по-разному.

Поэтому в заключении маленькое пожелание от моего папы – тем, кто хочет пересмотра понятий, самое время идти и писать докторскую по искусствоведенью. Он, если что, может быть вашим научным руководителем. И вы вместе сможете добиться внесения акварели в список полноправных живописных техник.

-

Высказывайтесь и предлагайте тему следующей образовательной пятницы.