И снова с нами и с вами - образовательная пятница. 

 

Сегодня я хочу поговорить о перспективе.

Не о перспективе нашей жизни, а о технике изображать на плоскости трехмерное пространство, в соответствии теми изменениями размеров, очертаний и формы, которые есть в натуре.

Правильная передача перспективы – это одна из основных задач в работе художника. Говоря тут «правильная» я имею  в виду ту, которую художник хочет передать – тут может быть и прямая, и обратная, и панорамная и прочая какая-нибудь еще... Главное, что художник хочет добиться с помощью перспективы определенных эффектов. Ну какая бы перспектива ни была – для правильной ее передачи естественно есть определенные правила (извините за тавтологию, ха-ха).
Каждый, конечно, волен сам себе придумать правила, но есть некоторые законы физические, которые помогают сделать изображение более достоверным.

 

Итак, у нас есть линейная перспектива, перспектива воздушная и световая. 
 

Про линейную написано множество работ и руководств, и есть куча информации даже в той же википедии. Что характерно для такой перспективы – неподвижная точка зрения, единая точка схода на линии горизонта, предметы уменьшаются пропорционально по мере удаления от смотрящего. Когда мы рисуем какое-либо изображение в любой технике, мы должны помнить о законах линейной перспективы, чтобы этот предмет стал объемным для зрителя, даже просто при графической подаче.
Усилить объемность изображения позволяет также соблюдение законов воздушной и световой перспективы.
Воздушная перспектива  - тут мы подразумеваем, что по мере удаления предмета он погружается в воздушную среду и его очертания будут меняться. Если у нас воздушная среда уплотняется (смог, пыль, пар, туман, дым и пр.), то очертания предметов будут становиться более расплывчатыми, четкие границы предметов исчезают. Поэтому при рисовании мы помним, что более резкие и четкие очертания будут характерны для предметов переднего плана, а мягкие и расплывчатые очертания останутся на заднем плане. Не только очертания, но и цвет предметов меняется с расстоянием. Все цвета на расстоянии меркнут, обобщаются и приобретают голубоватый оттенок. Первыми теряют четкость голубые и зеленые цвета (это законы физики, об этом же я писала в прошлую пятницу), потом желтые, оранжевые и красные. Контрасты так же смягчаются и на большом расстоянии сливаются в общий тон.  Воздушный слой скрадывает так же фактуру и мелкие детали. Отраженный свет от светлых предметов проникает сквозь воздушный слой и приобретает теплый оттенок.
Если же у нас воздушная среда чистая, как горный воздух, то очертания предметов практически не изменяются, как и окраска и светотеневой контраст.
Световая перспектива возникает при неравномерном освещении и характеризует расстояние предметов до источника света. Днем явления световой перспективы практически не заметны, поскольку сила света одинакова на всем видимом пространстве. А как только у нас возникают изменения силы света на изображаемом пространстве (утро, вечер, искусственное освещение) – предметы близкие к источнику света необходимо делать яркими, чем предметы удаленные от него. Если свет идет на нас, то фон становится светлым, все светлое удаляется от нас,  а предметы выделяются темным. Если свет будет идти от нас, то наоборот, светлые предметы будут выступать на темном фоне. 
Это, наверное, основные моменты из общего представления о перспективе, о которых я хотела сегодня рассказать. 

Если есть вопросы и мнения – самое время их задавать:) велкам в мой инстаграм. 

И снова в эфире с вами наши образовательные пятницы.

 

Сегодня хочу поговорить о светотени предметов.

На мой взгляд, светотень – это один из основополагающих моментов и в живописи, и в графике. Только благодаря свету мы вообще видим что-то, свет делает наш мир зримым.  А правильная передача в изображении световой среды, правильное построение светотеневых отношений – это одна из первостепенных задач художника.

 

В чем сложность здесь.

В том, что у нас в принципе не один источник света, а несколько. Почему? Да потому что свет может быть как прямым, так и отраженным. Каждый предмет, который мы видим, отражает свет (поэтому мы и видим его собственно). Каждый предмет будет этим своим отраженным светом влиять/светить на предметы вкруг. Ну мы знаем об этом, да - если на белый подоконник поставить синий кувшин, то на подоконнике появится такой типа синеватый отсвет от этого кувшина. Вот это пример отраженного света. А на самом деле на подоконник будет падать отраженный свет не только от кувшина, но и от шторы, горшка с цветком, и от вас:) И задача художника – разобраться в этих взаимоотношениях, то есть разобраться в фазах светотени. 

 

Выделяют следующие фазы светотени: прямой свет, полутона, блик, собственная тень, рефлекс, падающая тень, обратная тень.

 

И тут при рисовании важно помнить следующие два правила

1 - любая точка зоны света (блик, полутон, прямой свет) светлее любой точки теневой части (собственная тень, рефлекс, падающая и обратная тени);

2 – вы всегда можете разделить фазы, определить  что светлее, что темнее внутри зон.

Второе правило очень важное, выполнение его придает объем предметам, правильно их позиционирует в пространстве относительно других предметов и «ставит» предметы на плоскость. Но оно легко выполняется, как только вы определитесь откуда у вас светит свет, т.е. где у вас и какие источники света и разберетесь что у вас в работе светлее, а что темнее. Если вы рисуете с натуры определиться с этим довольно просто, кстати, – нужно прищуриться, чтобы ресницы немного перекрывали зону видимости и посмотреть на предмет. Зоны слегка сольются и разница в яркости, например, своей и падающей тени будет очевидна.

 

Кроме яркости при светотеневой моделировке предметов важно определиться с отношениями «теплый-холодный». В последнее время я натыкаюсь на множество мастер-классов, где преподаватели при объяснениях категорично заявляют о том, что свет  в любом случае следует писать теплым, а тень – холодной. Это не совсем полная информация. Да, если у нас теплый источник света, то свет в изображении будет теплым, а тень – холодной…. Но если у нас холодный источник света? Луна, например, светит  вполне себе холодным светом. Электрические лампы есть с холодным спектром. Да и днем иногда, особенно зимой мы видим, что свет холодный. И приглядевшись к теням мы увидим, что тени при этом будут теплые. Соответственно в изображении мы должны отразить этот момент. Свет будет холодный, а тени теплые. Причем иногда это неочевидно при взгляде на натуру (или если вдруг вы пишете из головы и натуры нет совсем) и тут важно просто об этом правиле знать.

Тогда все получится:)

 

Ну что, отличной пятницы вам.

_____

Обсудить тему, а так же задать вопросы приглашаю в свой инстаграм - мой ник @13_luna

Ну что. В прошлую пятницу мы говорили про то, что такое живопись и что такое графика.

Надеюсь, у вас было время почитать хотя бы википедию про это, а так же высказывания художников и интересующихся у меня в инстаграм, и вы теперь хотя бы немного теоретически подкованы в этой области. Так вот, даже просто обратившись к википедии видишь, что люди выделяют разные подходы, определяющие что такое живопись и что такое графика.

 

В одном подходе - живопись это создание изображения посредством нанесения жидкого материала на поверхность (масло, акрил, гуашь, темпера). А графика - это когда для создания изображения используются сухие материалы (графит, уголь, мел, сангина).

Тут же возникает вопрос - куда же тогда деть пастель и акварель? да? Получается что акварель - живопись, а пастель - графика. А тушь тогда что? Особенно китайская техника живописи тушью?

 

Другой же подход опирается на различие в исполнении. Вот как сказано в википедии: "Графика в чистом виде использует белизну (цвет) фона для создания тональных градаций. Чем гуще слой красящего вещества, тем темнее данный участок картины или рисунка. Работа над рисунком ведется в направлении постепенного насыщения тона, использование белил не допускается. Напротив, в живописи белила составляют основу изобразительной техники, краска накладывается корпусно, плотно перекрывая фон, цвет которого не имеет значения. Живописец работает слоями краски, многократно проходя одни и те же участки картины, высветляя или утемняя их."

По этой классификации в разряд графики попадает не только карандаш, сангина и уголь, но и акварель. А пастель и гуашь оказываются чисто живописными техниками.

 

Третий подход говорит о том, что цвет  - это выразительное средство живописи, а графика – это доминанта линии. И тут тоже вопросы, которые звучали у нас  в обсуждении - если маслом нарисовать графичную работу, то что это – графика или живопись.

 

Все толкования достаточно спорны, и у каждого есть свои сторонники и противники. Что же из этого верно?

 

Тут надо немного отрешиться от того, что мы имеем сейчас и обратиться к истокам возникновения самих определений.

Живописью изначально называли в основном работы маслом, темперой, фрески. То есть грунтованная основа, мазки, колоризм, проработанность, многослойность, основательность…. Вот это все.

Графикой же считалась любая подготовительная и вспомогательная работа – рисунок,а также каллиграфия…и еще работа, связанная с техническими средствами воспроизведения – гравюры, офорты, печать и прочее. Графика, при том, что она закончена, могла носить условный характер, быть лаконичной, обобщенной.  Основа графики штрих и пятно, контрастирующие с фоном. «Воздух белого листа» - наиболее общий отличительный признак графики.

 

Так вот, исходя из этого, наша российская искусствоведческая наука считает, что:

Живопись – это масло, темпера, фреска, энкаустика, акрил.

Графика – это графит, уголь, сангина, цветные карандаши, маркеры, тушь (чернила), акварель.

Пограничные техники – гуашь и пастель.

А еще есть понятие – смешанные техники.  Это как раз тогда, когда акварелью пишут на холстах, например. Или смешивают маркеры и акрил.

 

 

Поэтому, как бы мы с вами не спорили на тему многослойных законченных акварельных пейзажей или работ Малевича и Кандинского, все осталось так, как было когда-то определено. К сожалению, наша наука не пересматривала определения, несмотря на то, что мастера работают разными материалами и очень по-разному.

 

Поэтому в заключении маленькое пожелание от моего папы – тем, кто хочет пересмотра понятий, самое время идти и писать докторскую по искусствоведенью. Он, если что, может быть вашим научным руководителем. И вы вместе сможете добиться внесения акварели в список полноправных живописных техник.

-

Высказывайтесь и предлагайте тему следующей образовательной пятницы.

Итак, мы решили в инстаграм, что образовательным пятницам быть. 

И это радостно – мы сможем пообсуждать животрепещущие проблемы в области искусствоведческой теории и практики. Кроме того, я договорилась с папой, что он будет давать комментарий со своей стороны (как считает академическая наука и академическое сообщество) к каждой нашей теме. 

На данный момент технически это будет происходить так: я буду писать основной текст здесь (и в моем жж - http://13luna.livejournal.com/ тоже) и краткую выжимку из него в инстаграм - мой ник там 13_luna. Обсуждать будем в основном в инстаграм, поскольку в блоге я пока не могу настроить систему комментариев толком. Можно и нужно высказывать свое мнение, а так же писать вопросы на разные темы, особенно те, которые кажутся вам щекотливыми. Потому что взглядов и мнений множество и иногда страшно показаться неучем. Поскольку тут у нас будет «всеобуч» – я буду рассказывать обо всем и запретных или смутительных тем у нас не будет.
 

 

И в первую образовательную пятницу я хочу осветить момент, про который заикнулась неделю назад – почему не очень хорошо было в «Веснариуме» называть команды так, как они названы.
Веснариум – это рисовальный марафон, который проводят несколько экспертов-художников и художественных/околохудожественных магазинов в инстаграм сейчас. Участники поделились на команды, возглавляемые художниками-экспертами, и рисуют на объявляемые темы. Казалось бы все просто. Но, посмотрим на названия команд:
-акварель;
-маркеры;
-цветные карандаши;
-пастель;
-масло;
-графика. 

Если первые пять – это материал исполнения, то последнее – это вид изобразительного искусства.

Понятно, что организаторы ничего плохого не хотели и всего лишь подразумевали, что эта команда будет рисовать линерами черно-белые рисунки… (это я делаю вывод из того, что пишет и показывает художник-эксперт). Но сами того не осознавая эксперты-художники, поддерживающие этот марафон своим авторитетом и знаниями, как бы говорят – а вот это понятия одного ряда – маркеры и графика, например. 

А то, что маркеры – это вообще-то и есть графика, и пастель – это графика, и цветные карандаши – это тоже графика… и акварель – это тоже графика. Это как бы не учитывается. В этом ряду масло является другим видом изобразительного искусства - живописью. 

Таким образом, у нас получается принципиальное смешение понятий, которое участники понесут потом дальше. Мы смешиваем зеленое и горячее. Да, это не очень страшно, нам не надо сдавать теорию и историю искусств. Но мы немножко нечестны и некорректны. И здесь нужно было организаторам все-таки подумать о более качественных названиях. 
 

Как бы вы назвали, кстати, команду графиков в Веснариуме, исходя из вышесказанного?
Гелевые ручки?:)))

____
Ну и поскольку я затронула в описании этот вопрос, то маленькая классификация.
Виды изобразительного искусства:
-живопись;
-графика;
-скульптура;
-фотоискусство;
–архитектура;
-декоративно-прикладное искусство;
-дизайн.

И я хочу задать вам второй вопрос – что все-таки по-вашему акварель? Живопись или графика? А тушь? А гуашь? А пастель? Давайте поговорим об этом.
А через неделю я напишу очередной выпуск образовательной пятницы по результам наших рассуждений:) и моих научных чтений-бдений. 
И обещаю привести комментарий по теме от моего папы - доктора искусствоведенья, профессора МГУ и Строгановки.